El trabajo de Octavi Serra es un signo de nuestros tiempos y una reacción a la insatisfacción con el panorama social actual. Serra construye instalaciones conceptuales que se burlan de la cultura actual y cuestionan con mucha seriedad el status quo.
Estudió diseño del producto pero no tardó en salir a las calles a realizar instalaciones y poesías visuales que nos ponen en una situación un tanto incómoda al cuestionar un status quo que todos aceptamos como «normal» o verdadero sin dudarlo ni un segundo. Plantea lo absurdo de ciertos pilares que sostienen nuestra sociedad y actúan, a la vez, como mecanismos de control considerados necesarios para muchos: señalética, líneas de estacionamientos en el suelo, basureros, etc.
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La ceremonia de los premios Oscar de este domingo fue de primeras veces. No solo para los encargados de armar una gala en persona en plena pandemia, sino para una serie de nominados que hicieron historia al alzarse con la estatuilla dorada. La más destacada fue la directora china Chloé Zhao, quien se convirtió en la primera mujer asiática y tan solo la segunda mujer en la historia del galardón en ser reconocida por su trabajo de dirección. Recibió ese y el premio a la mejor película, considerado el más importante de la noche, por Nomadland, un retrato de la vida nómada en Estados Unidos a través de Fern, un personaje interpretado por Frances McDormand, quien también ganó por su interpretación. Zhoe dedicó su Oscar como directora a "cualquiera que haya tenido la fe y la valentía para aferrarse a la bondad en sí mismos y de los demás, sin importar lo difícil que es hacer eso".
Yuh-Jung Youn triunfó por encima de la ocho veces nominada Glenn Close y de otras tres actrices y así se convirtió en la primera surcoreana en ganar un Oscar en una categoría de interpretación. La actriz de 73 años interpretó a la entrañable abuela Soonja en el drama Minari, que retrata la experiencia de una familia surcoreana que se asienta en una granja de Arkansas con el fin de producir cultivos. Aunque no estuvo presente en la gala, el último premio de la noche se fue para el actor galés Anthony Hopkins por su ovacionado papel en The Father ("El padre").A los 83 años, Hopkins se convirtió este domingo en el actor de más edad en ganar un Oscar. Sorprendentemente, es solo la segunda estatuilla que consigue. La anterior fue en 1991 por su famoso rol en "El silencio de los inocentes". Mia Neal y Jamika Wilson pasaron a la historia este domingo como las primeras mujeres negras en ganar un Oscar en la categoría de peinado y maquillaje por su trabajo en Ma Rainey's Black Bottom ("La madre del blues"). En un poderoso discurso, Neal recordó a su abuelo, quien fue víctima de discriminación en Estados Unidos, y añadió: "Junto a Jamika, rompemos este techo de cristal con mucho entusiasmo por el futuro". Los ganadores Mejor película: Nomadland Mejor dirección: Chloé Zhao - Nomadland Mejor actriz protagonista: Frances McDormand - Nomadland Mejor actor protagonista: Anthony Hopkins - "El padre" Mejor actriz de reparto: Yuh-Jung Youn - Minari Mejor actor de reparto: Daniel Kaluuya - "Judas y el mesías negro" Mejor guion original: Emerald Fennell - Promising Young Woman ("Hermosa venganza" o Una joven prometedora") Mejor película animada: Soul - Dana Murray y Pete Docter Hay postales que nacen de los sueños más profundos en las que nos quedaríamos a vivir para siempre. Hay infinidad de tierras de sueños, tantos como el subconsciente dormido puede recorrer. Nos vamos de viaje con Maciek Martyniuk, conocido como Yomagick, un artista multidisciplinario contemporáneo con un imaginario tan vasto como evocador. El diseñador actualmente vive en Barcelona y explora las profundidades de la psique junto a ilustraciones clásicas. Yomagick juega con colores y formas en busca de una armonía elocuente. Una de sus series más inspiradoras es Dreamlands, en la que se inspiró en el Santuario Itsukushima de Japón, durante un viaje que realizó. Paisajes imposibles para explorar, para indagar en lo más profundo de nuestra conciencia. Porque al final los sueños son esos territorios en los que las esperanzas son más grandes que los miedos. Para que una película forme parte del imaginario popular, debe darse la magia tanto en el terreno del concepto como en el de la forma. Es cómo se cuenta pero también es cómo se presenta.
El universo está lleno de colores que dan volumen y forma a las cosas y nos despiertan sentimientos que se quedan grabados en la retina y en el alma para siempre. En el universo cinematográfico los colores están relacionados directamente con nuestras emociones y juegan amplios valores. Conscientes de esto, muchos cineastas como Wes Anderson, Stanley Kubrick, Wong Kar Wai o Tim Burton no solo han puesto su talento al servicio de narrar grandes historias si no de crear un sello propio , creando en cada fotograma una obra de arte. Desde los colores cálidos de la última versión de 'Mad Max' a los colores fríos de 'Moonlight' de Barry Jenkins, Kalki (gran cinéfila) muestra toda la amplia gama de tonalidades que ha hecho que el cine sea el séptimo arte y de paso nos invita a recorrer toda la gama de lo que sentimos y seguimos sintiendo por cada una de estas historias. Nos afirma que: "el color puede afectarnos psicológicamente, a menudo sin que nos demos cuenta". Llegada la primavera, muchos artistas han optado por humanizar las diferentes estaciones del año, una tendencia que se ha llevado mucho a cabo tanto por su valor estético como simbólico. En el trabajo del fotógrafo de Oregón Parker Fitzgerald, sus modelos protagonizan la deslumbrante belleza que solo pueden emanar aquel o aquella que florece de manera literal o figurada para resplandecer como un atardecer de primavera o verano. El talento de Fitzgerald en la composición, el uso de la luz y el encuadre que tiende a dar aire en la parte superior de sus encuadres, le ha llevado a trabajar con clientes de la talla de Uniqlo, Nike, Shiseido, Nikon, o Leatherman. Acercarse al universo de Parker es como una experiencia extrasensorial en la que se ven implicados casi todos nuestros sentidos; en sus imágenes pueden verse, olerse, oírse y casi tocarse, todas esas primaveras internas que nacen tras nuestros periodos de letargo e hibernación emocional.
'30 monedas' ha concluido su primera temporada y los comentarios en redes siguen debatiendo sobre su polémico, arriesgado y muy valiente fin de fiesta que se estrenó en HBO España. La aventura de terror épica de Álex de la Iglesia es todo un mosaico de influencias, obsesiones del director y mitología religiosa interpretada según ecos de fantasía pulp y ocultismo gnóstico. El gran episodio piloto de '30 monedas' empezaba con con una declaración de intenciones: una vaca que da a luz a un bebé humano de la nada, como un suceso similar en la serie 'Picket Fences'. Sin embargo, la trama central se construye sobre relatos de horror clásicos como 'The Shutteresd Room' de Richard Matheson, uniéndose a variaciones cinemáticas de estos como '¡Está vivo!' (1974), 'Beast in the cellar' (1970) o, sobre todo, la adaptación de 'Royal Jelly' de Roald Dahl. Una de las citas visuales más concretas es al momento de la criatura en la carretera del clásico underground 'X-tro'(1982). '30 monedas' es en parte una extensión de algunas ideas de 'La habitación del niño' (2006), que se encontraba en 'Películas para no dormir', la continuación de 'Historias para no dormir' (1966-1982) con la que Chicho Ibáñez Serrador pasaba el testigo a sus discípulos. De la Iglesia no deja de hacer pequeñas referencias a su formación cinéfila autóctona y también hace su particular momento 'La Cabina' (1972) con los habitantes de Pedraza presionados contra la barrera invisible. Hasta el aparente desnudo parcial de Miguel Ángel Silvestre en el episodio piloto, , imitando en su composición a 'La piedad' de Miguel Ángel, que hace del doble sentido con el nombre del actor y del artista. Sin embargo, el emplazamiento de la escultura, en el Vaticano, da al momento una conexión religiosa con uno de los lugares clave del desarrollo de la trama de la serie. El gran antagonista de la película, el cardenal Santoro es una colisión de villanos herederos de Aleister Crowley como Mocata de 'La novia del diablo' (1968).También recuerda en sus momentos finales, con su traje y su cetro, al Bellocq de 'En busca del arca perdida', con la que comparte mitología por el ocultismo Nazi y la obsesión arqueológica con objetos relacionados con la religión católica.
Podemos quedarnos totalmante prendados por alguien en el momento en el que vemos como mueve sus manos u observamos como camina; la belleza atrayente del movimiento es algo milagroso.
La fuerza que transmiten algunos cuerpos en funcionamiento, logran que impacten las anatomías ante nuestros ojos cuando muestran los músculos en tensión o las extremidades alargándose en poses involuntarias y danzas voluntarias que se convierten en la obsesión de Alexander Yakovlev. Alexander tiene un gran ojo para los bailarines y la composición escénica, para atraparlos en el instante más expresivo y dinámico con una técnica alucinante, representa el encanto del cuerpo humano. Las esculturas griegas, el cuerpo desnudo y la belleza de los cuerpos, son los elementos sustanciales de la obra del mexicano Rodrigo Chapa.
Rodrigo Chapa es un artista que se ha entregado a la fotografía los últimos 12 años. Su experiencia en diseño se hace visible en su trabajo debido a su uso de una cuadrícula impecable. En su serie "Ausentes", hace referencia al expresionismo abstracto al componer imágenes con fondos de campo de color. Captura el movimiento y la improvisación de sus sujetos, logrando crear una manifestación física que se convierte en obra de arte. "Quantum Memories" es una revolución del arte en toda regla. El artista Refik Anadol a través de un algoritmo automático habilitado por inteligencia artificial ha creado esta obra de arte. Este artista audiovisual lleva años trabajando en la relación del arte con la tecnología. un algoritmo automático habilitado por inteligencia artificial ha creado esta obra de arte. Este artista audiovisual lleva años trabajando en la relación del arte con la tecnología. Anadol ha utilizado una computadora cuántica que explora la física inusual del mundo subatómico y convierte la cantidad de datos visuales que fluyen a nuestro alrededor todos los días en obras de arte. El trabajo del artista nos invita a plantearnos al potencial de esta tecnología informática experimental y las inmensas nuevas oportunidades que representa para el futuro del arte y el diseño que significaría una nueva concepción de lo que se conoce como arte. Anadol ha utilizado una computadora cuántica que explora la física inusual del mundo subatómico y convierte la cantidad de datos visuales que fluyen a nuestro alrededor todos los días en obras de arte. El trabajo del artista nos invita a plantearnos al potencial de esta tecnología informática experimental y las inmensas nuevas oportunidades que representa para el futuro del arte y el diseño que significaría una nueva concepción de lo que se conoce como arte. Esta creación sugiere que cualquier espacio y pared pueden ser potencialmente utilizados como lienzos por los artistas multimedia. Si no lo es, la visión de Anadol está muy cerca de ser el arte del futuro. Quién tenga oportunidad de experimentar este viaje al futuro es realmente un afortunado. ¿Dejamos al dolor todo el espacio que necesita? La fotógrafa Sofía Suárez, aka Isdermis, lleva tiempo trabajando en esta dirección a raíz de la psoriasis crónica que padece. "No podemos iluminar si no nos hemos apagado antes. No podemos sentir tranquilidad si no hemos estado agitados primero" —Isdermis Cuando Sofía tenía 8 años su piel fue diagnosticada de psoriasis crónica. Confiesa que siempre que conoce a una persona lo primero en lo que se fija es en su piel. Es una especie de obsesión por lo que ella consideraba su propia debilidad. Algo que con el tiempo ha pasado a ser su "amuleto", una manera de entender a los demás y el centro de su trabajo. "Crónico" es el título de su último proyecto. En él explora el lugar que le damos al dolor: «Es amargo y complica la realidad. No tiene ni por qué ser algo que tengamos reciente, puede que sea una sensación de muchos años atrás. » comparte Sofía en relación a este nuevo trabajo.
No es su intención profundizar en exceso en la angustia, sino hacer frente a lo que a la larga nos puede hacer daño. De cualquier forma Sofía da una salida constructiva a su sufrimiento a través de lo audiovisual: "Crónico" es el resultado de esa pena que a veces ha sentido como remota y silenciosa. No busca expulsar el dolor , tan solo darle el espacio que le pedía y dejarle tomar todas las formas que necesite, mostrarlo como el sentimiento tan devastador que puede llegar a ser. La libertad visual y emocional son sus herramientas creativas. Considera que la piel es lo que quiere ser y que observarla tal cual es es su reto. Por eso las diferentes texturas, las cicatrices y los pliegues son habituales en las imágenes de esta artista boliviana con base en Barcelona que celebra la libertad y la diferencia. |
AutorAitana García,alumna de segundo de bachillerato de artes. Archivos
May 2021
Categorias
Cultura, Cine |